Demo del sintetizador Vocaloid 3 cantando la canción de 'La Flaca' de Jarabe de Palo

Vocaloid es un software de síntesis de voz, capaz de cantar con asombrosa interpretación. Ha sido desarrollado por Yamaha Corporation, en colaboración con el Music Technology Group de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.

Todos las Colecciones de Samples y Loops para Descarga Gratuita desde Music Radar

Music Radar lleva unos años recopilando muestras de audio de diferentes géneros y temáticas y presentándolas a cuenta gotas desde su web. Recientemente han alcanzado un número significativo y piensan que es momento de presumir de ello.

Se trata de mas de 10.000 muestras para su descarga, todas gratis y en formato WAV 24bits, clasificadas por categorías y comprimidas en archivos ZIP.

Estas son todas las colecciones de samples, multis y loops gratuitos que ha públicado Musica Radar hasta la fecha. Echa un vistazo a la siguiente lista y no te pierdas los que mas te interesen:

Digital Redux Free Bundle: Paquete de Samples y Loops Variados Gratis

LoopHunter acaba de lanzar Digital Redux Free Bundle, un pack donde reúne muestras gratuitas de su paquete DIGITAL-REDUX.

Digital Redux Free Bundle incorpora más de 1300 samples y loops variados, con lo que prentenden nos hagamos una idea de los 20 packs que encontraremos en su web. Todo el contenido es 100% libre de royalties. Una vez comprado, puedes usar estos archivos de audio sin restricciones en tus producciones musicales ya sea de forma comercial o particular. El archivo comprimido para descargar ocupa 280MB.

Nuevos controladores daw de Steinberg

Steinberg ha presentado recientemente una nueva gama de controladores DAW para sus secuenciadores. Se trata de una serie de distintos módulos, que permiten formar una superficie de control a nuestro gusto y necesidades.

Los nuevos controladores de Steinberg pueden funcionar por separado, o conectarse unos a otros para así no ocupar varios puertos USB de nuestro ordenador.
  

- El CMC-CH cuenta con 16 botones iluminados, un knob y un fader táctil. Los botones permiten el acceso a las funciones de cada canal, instrumento, panoramas, activación de la grabación (REC), etc, y algunos de estos botones pueden reasignarse a una segunda tarea.

Hardballs Records lanza Drum sample pack gratuito

 


Hardballs Records acaba de lanzar un drum sample pack gratuito llamado Drum Kit Flager. Esta librería de samples contiene 32 sonidos en 44.2khz y 24bit wav. Todos los samples han sido usado en producciones del artista Ray Flanger.
La colección contiene, a parte de los samples, también patches para NIK y EXS24.
Aquí lo podéis descargar gratuitamente

Arte Musical: Escultura Aeolus

Investigadores de la Acústica de la Universidad de Salford y la Universidad de Southampton y el artista Luke Jerram colaborado para crear Aeolus, una escultura sonora única itinerante. Esta gran arpa eólica no tiene una ubicación definida y puedes colocar en el lugar que quieras.
Su nombre está inspirado en la mitología griega, Eolo es el dios conocido como el "guardián de los vientos". Y su bella forma está inspirada por la acústica arquitectónica de la mezquita de Isfahan en Irán. Aeolus está diseñado para resonar y cantar con el viento sin ningún tipo de energía eléctrica o de amplificación. Crea nuevos timbres sonoros a través del viento que hace mover cuerdas de arpa que tiene unidas a gigantescos tubos de acero inoxidable.
Su forma de arco, hace que se concentren los sonidos en el punto medio, consiguiendo una amplificación de la sonoridad.
Ver mas imagenes tras el salto:

¿Cómo escribir rap? La forma y estructura de los versos.

Suele decirse que el rap es poesía. ¿esto es cierto? Sin dudas que no.
El rap va más lejos, trasciende la poesía sencillamente porque es música. Lo que esta claro que el rap toma elementos, recursos y estilos de la poesía.

En este artículo analizaremos diferentes formas de estructura de componer los versos de un rap. Diferentes recursos, elementos y trucos que podemos utilizar en toda música donde se utilice el rapeo como elemento de composición de los versos: Rap, reggaeton, pop, nu metal, etc.

Vale destacar que nos centraremos principalmente en la forma de la estructura de los versos, para luego ingresar en otros detalles y otros elementos.

Existen diferentes formas de componer los versos. Cada forma tiene una clasificación.

7 pasos para crear una instrumental de rap

Existen miles de maneras para hacer una base de rap, y no puedo decir una manera en especial de hacerla, cada beatmaker tiene la suya y siempre lo mas conveniente es compartir ideas. En este caso voy a mencionar los pasos generales para hacer un beat.
Paso 1: La idea para hacer una Base de Rap

Tanto en la musica como en otros aspectos lo mas primordial para empezar a hacer una base de rap es una idea. Puedes escuchar algún tema de rap para inspirarte, o la típica canción romántica antigua que te la imaginas con unos bombos, cajas y el bajo, alguna melodía que tengas dando vueltas en la cabeza, o simplemente elegir un sonido y dejar que fluya.
Paso 2: Bocetos

Cuando ya tienes la idea puedes empezar a probar con los sonidos, acordes, arpegios, etc. y a estos probar con algunos efectos como radio, chorus, reverb, etc. Esta etapa es solo jugar un rato y asi crear un soporte para los otros sonidos que agregarás en el proceso. Puedes agregar cualquier sonido fx por ejemplo, como una explosión,

disparo, scratch, o cualquier factor que provoque una idea concreta. Algo que te motive a hacer una Base de Rap. En esta etapa ya se podría dejar unos 4 u 8 beats en la sesión. (Con beats me refiero a tiempos)

Formatos correctos de audio para crear y exportar tus trabajos musicales

Existen muchos formatos de audio, los cuales se dividen en 3 categorías: Sin comprimir, sin pérdidas y con pérdidas.
Vamos a empezar con los formatos sin comprimir:
Los formatos sin compresión son los ideales para crear tus propios trabajos musicaes por mantener su calidad ”en bruto”.

WAVE

La codificación del audio es PCM (Pulse Code Modulation), el que también clasificado como PCM Wave. Hay dos formatos para los archivos WAVE, Microsoft Wave (WAV) y Broadcast Wave (BWF). Ellos comparten la misma extensión de archivo. Wav. Este es el formato más recomendado y universal para audio profesional, ya que es compatibles con cualquier plataforma. Broadcast Wave tiene un trozo Bext adicional que permite la incrustación de los metadatos adicionales como el título, código de tiempo, origen, etc.WAV es muy útil para los propósitos de post-producción con los metadatos adicionales.

Cómo promocionar tu música sin morir en el intento

 Si eres músico y no tienes ni un duro, seguramente te habrás hecho la siguiente pregunta cuando ves a cualquiera de esas superbandas de rock tocar en el estadio de Wembley: ¿cómo diablos llega un músico a despertar el interés de 100.000 personas? A lo mejor, tampoco debemos irnos tan lejos. ¡Seamos localistas! Como músico español que eres, seguramente habrás oído hablar de aquello que llaman música indie. ¿Cómo diablos llena la sala La Riviera el último grito indie de la temporada? Teniendo en cuenta que hay unas 678 bandas al menos igual de malas que la suya, ¿cómo carajo han sido ellos y no otros capaces de llenarla?

 

Está bien. Si eres músico y no tienes ni un duro, seguramente habrás llegado tú solo a la conclusión de que los padres del cantante deben ser banqueros, notarios o algo por el estilo. No andas muy mal encaminado. Aunque por suerte, también hay esperanza para ti. El dinero no lo es todo en este mundo... pero más te vale ir ahorrando, aunque sea un poco. 

Beta pública de FL Studio 10.5 con el nuevo modo 'Performance'

Image Line ha presentado una beta pública de FL Studio 10.5 en la que ya se puede probar el modo 'Performance' 
'Performance' es un nuevo modo que incluye FL Studio 10.5 que dota al famoso secuenciador de Image Line de una serie de herramientas para directo similares a las que se pueden encontrar en Ableton Live y, según Image Line, también aporta funciones más avanzadas que las que se pueden encontrar en programas similares.
El modo 'Performance' permite lanzar clips vía ratón, pantalla táctil, el teclado del ordenador o controladores MIDI como los APC20/40, Launchpad, Block, Maschine/Maschine Mikro o padKontrol para los que integra soporte completo.
Pero esta versión 10.5 también afecta a otros aspectos del secuenciador y, entre otras cosas, añade mejoras a la gestión de las entradas MIDI, renueva la librería de contenido, añade opciones para la gestión del proyecto y la navegación por la interfaz, mejora el comportamiento del piano roll y amplia sus funcionalidades y herramientas, así como otra serie de mejoras y correcciones de calado general.
La beta pública de FL Studio 10.5 está disponible para descargar desde la página web de Image Line
Más información | Image Line

DESCARGAR

Video Tutorial Cubase: Configuración con el driver asio4all

AUDIO DIGITAL: "ESOS TERMINOS..."

LATENCIA: Tiempo que transcurre entre que una señal de audio entra a la computadora, hasta que el sistema la procesa y la reproduce.

DRIVERS: Son los controladores que hacen interactuar a la tarjeta de audio y el sistema operativo de forma eficaz y rápida.

INTERFASE DE AUDIO=TARJETA DE AUDIO
MESA DE MEZCLAS=MIXER
PROGRAMA MULTITRACK. Software capaz de grabar multiples pistas de audio de diversas fuentes.

PLUGINS. Son herramientas software que complementan al programa multitrack. Por lo general se trata de efectos (compresores, delays, chorus, flanger, etc.) que "hacen crecer" las posibilidades creativas y la operación del programa anfitrion. Los formatos más comunes son los Directx y los VST.
MIDI. "Musical Instrument Digital Interfase" es un protocolo que permite que diversos disposivitos (computadora, sintetizadores, secuenciadores, procesadores de efecto, etc.) se comuniquen para la generación de sonidos. El MIDI es información, datos NO sonidos.
PREAMPLIFICADOR. Dispositivo que sirve para otorgar nivel de linea (ganancia) de salida a instrumentos como Guitarras, Microfonos, Bajo etc. El "as bajo la manga" en cualquier Home Studio. El Preamp puede ser una unidad de rack o medio rack, una pedalera de guitarra con emulacion de amplificadores o estar incluidos en los canales de una mesa de mezclas.
SATURACION O "CLIPPING". Cuando una supera el nivel máximo de volumen, en el mundo digital es de 0db y puede producir "cortes" o "ruidos" en la señal.
ALIMENTACION PHANTOM. También conocida como alimentación "fantasma", es la corriente que requiere un microfono de condensador para funcionar. Su valor es de 48v, y llega al micrófono a través del propio cable del micro. Esta alimentación por lo regular la provee la propia mesa de mezclas, aunque también existen dispositivos externos muy útiles cuando la mesa con que se cuenta no cuenta con esta caracteristica.
MONITORES: Bocinas/altavoces de respuesta plana para "monitorear" -escuchar- las grabaciones, para mezclar y masterizar.
MONITORES ACTIVOS=MONITORES AMPLIFICADOS.

MONITORES PASIVOS=MONITORES QUE REQUIEREN AMPLIFICACIÓN EXTERNA, ES DECIR DEBEN CONECTARSE A UN AMPLIFICADOR

RANGO DINÁMICO. Diferencia entre las partes bajas y altas (hablando de volumen) de una señal de audio.
COMPRESIÓN. Proceso donde se "altera" o reduce el rango dinámico de una señal de audio. Al reducirse se puede "sacar" mayor volumen de esa señal. Bien empleado, resalta las caracteristicas sonoras de una señal, abusando de este proceso de aniquila por completo la naturalidad de una señal de audio.

Plugin Gratuito: Delay "tipo Análogo" virtual Echobox de Minimal Systems

Solo para PC, este plugin va por el lado de los cotizados Delays análogos.

Ese control de "analogue" despierta mi curiosidad al máximo... el resto de los controles dispuestos de una forma por demás práctica, el tiempo del "delay", el feedback y la cantidad de efecto MIX que se mezcla con la señal original. El siempre útil control de bypass y el control de "sync" al parece a un valor fijo.

El desarrollador ofrece actualizaciones constantes. El desarrollador comenta que ha sido probado en muchos de los programas DAW más populares,

Descarga: PPD Echobox

"Figure" primera App musical de Propellerhead para iOS

El vídeo promocional vía PropellerheadSW a continuación... donde muestra el espíritu de Figure, la posibilidad de hacer música en cualquier lugar en tu iPhone, iPad y iPod Touch. Para esos momentos donde la inspiración llega sin importar donde estes.



Figure ofrece sintetizadores y caja de ritmos... pero le da más importancia a que es divertido!

Ve por el a la App Store de iTunes: Figure cuesta $0.99 Dólares | $12 pesos mexicanos.

Más información en: Propellerhead Figure 

Plugin Gratuito: Baxter EQ V.1.0.1 de Variety Of Sound

Descarga esta nueva versión que resuelve algunos "issues" desde la página de Variety Of Sound.

Baxter EQ es un ecualizador "transparente" (no colorea la señal que procesa) para labores de mezcla y masterización.

Presonus presenta Studio One Free

Presonus anuncia la disponibilidad de Studio One Free, una versión gratuita y recortada en funciones de su software de grabación Studio One.
Pensando en los usuarios principiantes y en aquellos que no necesiten todas las herramientas que aportan sus veriones  Artist, Producer y Proffesional, Presonus presenta una versión gratuita que lógicamente está recortada en funciones, de Studio One, la cual está disponible tanto para Mac como para Windows.
Características destacadas:

• Interfaz de ventana única
• Función drag and drop
• Pistas audio y MIDI ilimitadas
• Canales de efectos ilimitados
• Compensación de latencia automática
• Timestreching y resampling en tiempo real
• Dos entradas/salidas simultáneas
• Incluye el instrumento virtual Presence (más de 100 presets)
• Incluye 8 efectos de audio: Beat Delay, Channel Strip, Chorus, Flanger, MixVerb, Phaser, Red Light Distorsion y Tuner

Tabla comparativa de versiones
La versión gratuita de Studio One se puede descargar desde la web de Presonus. El archivo a descargar también incluye la demo de 30 días (la cual se puede activar en cualquier momento y volver a la versión Free si así se desea), pero en el momento de la activación hay que elegir la opción "free", tal y como especifican desde Presonus. También comentan que esta versión Free, no puede acogerse a su servicio de soporte técnico.
Más información | Studio One Free

Trucos Ableton LIVE: Steve Ferlazzo y sus voces con vocoder, a-capellas, warping y más

Teclista, arreglista, compositor y programador, Steve Ferlazzo estudió en Berklee College Of Music. Es miembro de las bandas de rock Judah y DramaGods, ha tocado con Perry Farrell y suele ir de gira con Avril Lavigne.

Su configuración de estudio incluye dos Apple Mac mini, ambos con Ableton Live Suite 8 y todas las expansiones de instrumentos. Uno lo usa como respaldo en caso de que el primero falle. Los tiene sincronizados, aunque son independientes.

Steve Ferlazzo quiere compartir contigo algunos trucos PRO con Live en lo tocante a voces con Vocoder, obtención de a-capellas y más...

‘VOCODER’

Para añadir movimiento rítmico y melódico a un tema, me gusta probar el ‘Vocoder’ de Live. Con hasta 40 bandas de frecuencia, es muy preciso y conserva los transitorios mucho mejor que otros vocoders. Tomo un bucle de batería o pistas de batería en directo que se hayan enviado a una pista auxiliar, pongo un plug-in ‘Vocoder’ en la pista de audio de la batería, creo una pista de instrumento con un rico diente de sierra, y programo acordes en redondas que sigan la armonía de la canción. En ‘Vocoder’, ajusto ‘Carrier’ a ‘External’ y uso el audio de la pista del diente de sierra en 'Pre'. Así, la pista MIDI dicta el contenido melódico y de acordes, y la pista de la batería define el ritmo. El resultado es una pista arpegiada y sintetizada que se ajusta muy bien a la pista de batería pre-existente.

Video: MPC 2500 vs SCRATCHING

Contaminación refinada y el diseño sonoro de los coches del futuro

Os compartiré un curioso vídeo. Se trata de una muestra de los actuales desarrollos de Audi, una conocida marca de coches que actualmente está creando nuevas opciones para sus futuros modelos, a los cuales les agrega un nuevo sonido, diseñado en un estudio previamente.
Desde el punto de vista de ingeniería y estético, podríamos decir que es realmente interesante. Como explican en el vídeo, no es tan sencillo como diseñar los sonidos simplemente, sino también implementar un fuerte desarrollo de herramientas hardware y software que permitan aportar el control y realismo necesarios a la hora de presionar el acelerador y lograr un nuevo sonido. Si bien las empresas de coches llevan un buen tiempo compitiendo mediante el sonido de sus motores y sistemas de escape, este nuevo sistema electrónico, al que llaman "e-sound" cambiaría mucho las cosas.

Tutorial: ¿Como conectar un controlador a FL Studio?

Ya sabemos que un controlador MIDI se utiliza para proporcionar una interfaz entre el usuario y el programa, en este caso con FL Studio. FL Studio es compatible con casi cualquier tipo de controlador MIDI a un nivel básico. En casos raros, puede haber algunos controladores específicos que no pueden ser usados en FL Studio.

¿Cómo usarlo?. Vayamos por pasos:

Paso 1

Lo primero que debes hacer es instalar el software que suele venir con el controlador MIDI, y que contiene los drivers necesarios para que el sistema operativo Windows pueda reconocer el dispositivo y permitir que sea usado mediante programas como FL Studio.

Curiosidades: ¿Adele y la Clave de su Éxito?

Un estudio demuestra que los temas de Adele tiene acordes que generan tensión y estimulan las descargas de dopamina en los oyentes.

Esta cantante británica a ganado muchísimos premios y reconocimientos en los últimos meses principalmente al haber ganado el Premio Grammy al Mejor Disco Solista.

Según este estudio hay una una razón científica por la que  la música de Adele logra conmover a tantas personas, por ejemplo con canciones como "Someone Like You".

Dynaudio DBM50, monitores con diseño en ángulo

Dynaudio -que hoy mismo anunció su cambio de nombre de Dynaudio Acoustics a Dynaudio Professional, con nueva web- presentará en la Musikmesse un nuevo modelo de monitor activo, el DBM50, con un peculiar diseño de frontal en ángulo, buscando mayor comodidad al mezclar en un escritorio.
Llevará como opción un controlador de volumen (foto derecha), independiente del ordenador o workstation que se esté utilizando.
Características de Dynaudio DBM50

Ableton Live Lite 8 gratis para usuarios de SoundCloud

Ableton y SoundCloud unen fuerzas y ofrecen una licencia de Live Lite 8 de forma gratuita para los usuarios de SoundCloud, 5 meses de servicio Pro en SoundCloud para usuarios de Live 8 y Live Suite 8 y Ableton presenta la versión 8.3 de Live con integración para SoundCloud.
SoundCloud cada vez tiene más peso en el entorno social de la música y el sonido y es normal. Su servicio es limpio, de calidad y muy flexible a la hora de integrarse en navegadores, webs y dispositivos móviles y eso ha hecho que cada vez más artistas, profesionales, sellos, empresas y usuarios en general, aprovechen sus virtudes para exponer sus trabajos.
Ahora, SoundCloud se ha aliado con Ableton y de esa alianza afloran dos promociones bastante interesantes:

Native Instruments anuncia Traktor Remixed

Native Instruments acaba de anunciar Traktor Remixed, una profunda restructuración de su gama Traktor con nuevos precios de catálogo, actualizaciones gratuitas y descuentos temporales.
Celebrando la llegada de Traktor Pro 2.5, desde Native Instruments anuncian una serie de cambios en toda la gama Traktor de la que se podrán aprovechar tanto los nuevos como los antiguos usuarios de Traktor.
Actualizaciones gratuitas para Traktor Pro 2 y Traktor Duo 2
Todos los usuarios de Traktor Pro 2 y Traktor Duo 2 podrán actualizarse de forma gratuita a la nueva versión 2.5 de Traktor que acaba de ser presentada y que incluye la novedosa función Remix Decks, que permite a los DJs disponer de nuevas herramientas de remezcla en tiempo real para sus actuaciones. Así mismo, desde hoy, los usuarios de Traktor Duo 2 y Traktor Scratch Duo 2 tienen disponible una actualización gratuita para Traktor Pro 2.
Traktor Pro 2 incluido con cualquier producto hardware de la serie Traktor
De hoy en adelante, todos los productos hardware de la serie Traktor, incluirán una licencia completa de Traktor Pro 2 (que podrá ser actualizada sin cargo a la futura versión 2.5 llegado el momento). Todos los interfaces de audio, controladores y sistemas de vinilo incluirán dicha licencia. Este cambio en las especificaciones de los productos de NI tiene especial interés si hablamos de Traktor Audio 2, cuyo precio de catálogo es de 99€ y también incluirá la licencia de Traktor Pro 2, un software que hasta ahora tenía un precio de 199€.

Manual de supervivencia en la industria musical (Ingles)

Este artículo va para todos en general ya sean Beatmakers, MCs, cantantes de todo tipo y músicos en general, les será de mucha ayuda si que quieren que la música sea su estilo de vida…
Este libro en formato PDF de TuneCore trata de la inversión, promociones, merchandising y recursos que pueden ser útiles para ti y tu música. Cabe decir que este libro está en inglés, pero te aseguro que vale la pena darse el tiempo para leerlo y comprenderlo.

Descargar Music Industry Survival Manual

Si te interesó este libro puedes encontrar mas guías en este enlace:
http://www.tunecore.com/index/promotion/86

HUMOR: La primera batalla de DJ del mundo (1952)

¿Es necesario un teclado MIDI para hacer música?

Casi la mayoría de artistas tienen un teclado MIDI en sus hogares o estudios caseros, algunos prefieren solo el teclado de PC mientras otros prefieren instrumentos reales.
Emnpecemos respondiendo algunas preguntas que de seguro quieres saber las respuestas, o recordarlas:

¿Que es un teclado MIDI?

Es un organo eléctrico que puede conoectarse a tu computador, la mayoria de las veces por entrada USB. La mayoría de los teclados MIDIs no hace sonido alguno por si mismo, lo que hacen es dar la nota con el sonido de algun software que se encuentre en el computador. Esto sucede en tiempo real, si tuvieras un Plugin VST en el programa de audio que utilizas, el teclado controla los sonidos de tu PC (Por ejemplo VST’s) como si tuvieras un piano real en frente.
La mayorias de los teclados normales y sintetizadores sirven como controlador MIDI.
Algunos controladores de teclado MIDI también traen botones adicionales y controles deslizantes que se pueden programar para controlar algunos parámetros de sintetizadores virtuales (Volumen, velocidad, attack, etc), dando la posibilidad de modificar o jugar con ellos en tiempo real. Muy cool.
Sabemos que muchos principiantes o los que están empezando en esto, si se debe tener un teclado MIDI en su estudio casero.

11 tips para DJ’s y MC’s

11 consejos para Djs y Mcs que optimizar su trabajo con su estudio en casa:

1. Para la producción de musica no es indispensable tener los mejores software de audio, menos si aún no se conocen todas las caracteristicas de los que ya tenemos.
2. La acústica del ambiente tiene mucho que ver con la calidad del sonido; evita probar el sonido en un lugar donde hayan muchas superficies planas (espejos, ventanas, etc) ya que producirá eco, lo cual no dará el verdadero potencial de nuestro trabajo.
3. Si estás ocupando parlantes para el proceso de produccion, es recomendable que ubiques los parlantes a la altura y en dirección a tu oidos, y si es posible, que los 3 puntos (parlantes y oidos) tengan una distancia similar.
4. Los ventiladores, o cds puestos en su unidad producen un ruido constante, lo cual afecta la grabación. Lo recomendable es que grabes un cuarto aparte donde no afecte estos ruidos.
5. Si eres DJ y quieres convertir de analogo a digital o vicebersa, es recomendable que ocupes una tarjeta de sonido adecuada. No estoy diciendo que las tarjetas de sonidos no sirvan, pero no convierten en toda su calidad, por que no están hechas para el proceso de A/D o D/A.
6. Si eres MC y quieres la mejor calidad para tu voz, es recomendable evitar café y bebidas con gas, ya que estrechan las cuerdas vocales. Una buena forma de mejorar la voz es tomar una cucharada de miel, ya que esta evita la afonía. Tanto para grabaciones como para conciertos.
7. ¿Estás cansado que cuando grabes, se noten demasiado las ‘p’ o ‘s’? Para eso debes colocar una almohadilla entre el microfono y tu. Estas almohadillas en el mercado no son de alto costo y ayudan en tu proceso de grabación. Y si no quieres comprar, puedes remplazar la almohadilla por una media.
8. En algunas oportunidades, aparte de la ‘p’ y ‘s’ que producen golpes de aire, la ‘b’ también lo produce. Una forma de evitar la ‘b’ es cambiandola por ‘v’. Por que ‘b’ es como ‘p’, se ocupan los 2 labios, en cambio con la ‘v’ se ocupa el labio inferior con los dientes superiores. ¡Intentalo!
9. Cuando necesitas subir el volumen de tu voz durante la grabación puedes echarte para atrás en ese momento. Esto evita que el sonido choque con el techo digital y ademas remplaza el trabajo de comprimir o o editar el track en partes.
10. Si eres MC, intenta grabar con el microfono a unos cms. mas arriba de tu boca para inclinar tu cabeza, lo que produce que tus pulmones y cuerdas vocales se abrán.
11. Si ocupas Adobe Audition para grabar, y ademas el mismo micrófono, guarda el registro de ruido (noise reduction) asi no tendrás que hacerlo cada vez que grabes.

La monotonía de los HiHats

Siempre y cada vez que hago un beat, aunque no se aprecie de igual forma, trato de ser lo mas detallista posible en cuanto a los sonidos, uno con los que siempre he chocado han sido los HiHats, ya que en primera instancia son muy faciles de colocar; solo tomar el sonido ad hoc y repetirlo cada 2 steps.  ¿Simple, no?
Pero aburre, asi que hay que probar nuevas formas, que hace mucho rato dejaron de ser nuevas pero para uno probar otras cosas, en el principio igual da nervio pensar en si va a funcionar o no. Pero eso ya pasó, te recomiendo algunas maneras de colocar los hihats si es que utilizan un software para pc.
Si la pista es: bombo – caja – bombo – caja, y asi sucesivamente, el hihat entremedio se va a escuchar mas fuerte que los que suenan al unísono con el bombo y caja, y hay que dar mayor presencia al hihat en el momento adecuado y no tan monótono, ya que se perdería la calidad de alguna parte o sonido en particular.
En FL Studio puedes agregarle ecos, pero no al track en el mixer, si no al canal de audio del hihat:
FUNC ->Echo Delay

Ahí cambias el time a 2.00 o 1.00, con Delay Feedback a 30% y uno o dos ecos. También probar con el Pitch, igual resultan buenos estilos.
También pudes ocupar mas de uno si es necesario, por ejemplo, hablando en steps, puedes colocar en todos los steps los hihats, eso lo puedes dejar de fondo, luego otro diferente con el cambio arriba mencionado, aunque todo depende de la clase de beats que estés haciendo, o también tu estilo. Y asi ir probar con varios hihats, no es obligatorio que se coloquen todos en el mismo lugar o al mismo volumen.
Prueba, en los 8 primeros steps colocar, como casi siempre, cada 2, un hihat y a esos 4 hacer que suban de volumen: 1er hihats: 50 volumen, 2do de 70, 3ro de 90 y el 4to de 100, por ejemplo.
Asi se va a notar algo distinto pero que suena bien, los que oyen y valorarán el beat, no tanto como el beatmaker, por que nunca se va a notar al 100 x 100 de que y como está hecho. Solo el autor sabe lo que pasa en el proceso de creación.
También afectan a las percusiones, pero eso lo veremos mas adelante.

Akai MPC ¿Qué es?

Es una herramienta de audio externa al pc que sirve para crear beats o lo que salga de sus botones.
Es un producto muy profesional sin duda, pero siempre salen nuevas versiones aunque no con muchos cambios pero para quién le gusta la perfección, debe de tener mas que una alcancía. Por ejemplo, en internet leí que Dr Dre ocupa 5 de estas maravillas en su estudio, específicamente MPC 3000, ya que no le gusta cambiar de discos. Quién como él.
En fin, especificamente Akai es la marca de la empresa que crea estos productos y MPC es una sigla en inglés de Music Production Center (Centro de producción musical).
Queda claro que esta Akai MPC, no trae sonidos incluidos, uno mismo tiene que subir el audio que quiera, lo cual encuentro muy bueno.
Existen muchas versiones: MPC60, MPC3000, MPC60, MPC3000, MPC2000, MPC2000XL, MPC4000, MPC2500, MPC1000, MPC500, etc.

Figure de Propellerhead para iOS ya disponible.

La aplicación musical para iOS de Propellerhead ya está disponible en App Store por un precio ridículo.

Figure está basado en el motor de Reason y permite trabajar con tres pistas: ritmo, bajo y solista. Su interfaz es bastante completa, ya que permite diferentes funciones como el mezclador o los modificadores en tiempo real de sonidos de tipo X-Y.
Los sonidos integrados en esta aplicación son bastante buenos debido a que para Drums se basan en Kong y para bajo y solista en Thor. También hay diferentes modos y escalas disponibles incluyendo la función Shuffle para darle más dinamismo a las interpretaciones. Puedes también algutinar varios patrones y crear interpretaciones más complejas con los modos Pattern y Song y todo esto deslizando los dedos por los play pads de una forma muy rápida.
Figure tiene un precio de 0,79€ y está disponible desde la App Store para iOS 5 y iPhone 4 o posterior.

Until AM, platos virtuales en la web

Útil, simple y divertido es Until AM, una aplicación web que consiste en 2 platos virtuales con los que puedes mezclar cualquier canción de Soundcloud, agregarles efectos como Delay, Reverb y más.

Diferentes características que emulan perfectamente al hardware, y con toda la libertad de elegir cualquier canción para agregarla a los platos.

Además de poder reproducir un archivo de audio de tu disco duro, dispone de un buscador de Soundcloud al lado superior derecho de la ventana.

Esta aplicación gratuita está disponible en Until AM, también en Chrome Web Store.
Espero que les sea util, si no, que prueben y disfruten un rato.

MASTERING DE AUDIO : LA GUERRA DEL VOLUMEN

El término "masterización" suele asociarse exclusivamente al proceso de optimizar una mezcla de audio y en realidad engloba más objetivos importantes. Despejemos las dudas principales que genera la palabra "mastering" para acercarnos a la verdadera esencia de este proceso interesante y generalmente necesario.

INTRODUCCIÓN   Los micrófonos son transductores electroacústicos que se ocupan de transformar la presión sonora ejercida sobre su cápsula en energía eléctrica. La membrana o diafragma es un elemento fundamental que está presente en cada uno de ellos. Las diferencias que estriban entre los diferentes tipos de micrófonos se basan principalmente en la sensibilidad que son capaces de proporcionar, que están directamente ligadas a la capacidad del micrófono de capturar las oscilaciones mecánicas que provienen de la membrana, y transformar proporcionalmente con éxito dichas oscilaciones en energía eléctrica... intentando conservar la dinámica original de la fuente que deseamos capturar. Como bien parece, no es nada sencillo de conseguir, y desde su nacimiento, el micrófono ha experimentado una larga carrera en busca de la perfección sonora. Este hecho ha desencadenado, por un lado, que los micrófonos hayan llegado a una calidad ya bastante considerable a día de hoy, y por otro, que su tipología se haya fragmentado buscando el mayor rendimiento para cada aplicación en concreto. En este texto intentaremos desglosar los diferentes tipos de micrófonos, las características que los diferencian, y el tipo de aplicaciones que se ven favorecidas por el uso de uno u otro tipo, aunque abordando el tema de una modo más técnico que práctico, con el fin de conocer los pilares fundamentales de la microfonía antes de ponernos manos a la labor.

TARJETAS DE SONIDO E INTERFACES DE AUDIO

¿24 bits? ¿96 Khz? ¿pci, usb o firewire? ¿Qué necesito si sólo pretendo crear música a partir de instrumentos virtuales y plugins? ¿Y si quisiera grabar a mi grupo de rock? He aquí una pequeña guía con vistas a iluminar nuestro camino hacia el mundo de la grabación y creación musical con ordenador.

INTRODUCCIÓN

El terreno del audio es a menudo tan subjetivo que en ocasiones nos obliga a cuestionarnos cuánto sabemos y cuánto hemos aprendido realmente. Lo más normal es encontrarse a uno mismo navegando en aguas pantanosas, cuando deberíamos sentir lo contrario. Este hecho, se convierte automáticamente en el perfecto aliado de nuestro peor enemigo: el marketing.

Es importante a la hora de adquirir conceptos que estos se asimilen en su totalidad para ir conformando una experiencia con peso, así como desarrollar la capacidad para tomar buenas decisiones en base a nuestras necesidades en cada etapa determinada de la vida. De lo contrario corremos el riesgo de convertirnos en sacos de teoría e ideas mal aprendidas e incompletas, con el detrimento evolucional que esto conlleva cuando lo que se pretende es aprender unos de otros.

De nada sirve volcarse en hacerse con equipos capaces de capturar a “24/192” si antes de eso no disponemos de un estudio de "millones" para poder aprovechar esa capacidad en toda nuestra cadena de audio, ...y no salir perdiendo más que ganando al final.

Bien, partamos de la base de que 16 bits/44.1 Khz es suficiente calidad como para grabar en condiciones, aunque yo personalmente suelo decantarme por una calidad de 24/44.1, en aras de una buena relación calidad/consumo de recursos del sistema, ya que en esto del audio digital y la creación musical, lo menos común es andar sobrados de máquina, si no vivimos de ello. Y menos cuando los desarrolladores de software dedican su tiempo a crear mejores y mejores aplicaciones, que también consumen más y más recursos a medida que éstas evolucionan.

CÓMO CREAR UN ESTUDIO DE GRABACIÓN

INTRODUCCIÓN Para montar un estudio primeramente hay que plantearse a qué nivel queremos empezar y qué pretensiones de futuro tenemos, para obrar en consecuencia en el momento de afrontar los primeros gastos. Teniendo en cuenta que la curva de aprendizaje de un técnico/productor es bastante pronunciada, de poco sirve comenzar adquiriendo equipo de alta gama al que sacaremos más bien poco partido, y lo más recomendable, como sucede en la mayoría de vertientes en la vida, pasa por la siguiente regla que generalmente se cumple: para disfrutar y entender un escalón superior, antes hay que haber asimilado el anterior, o de otra forma se corre el riesgo de aprender mal. Un ejemplo claro sería un productor en potencia que acaba de empezar, y que adquiere un micrófono de alta gama para sus grabaciones. Resulta que como no tiene referencias en su experiencia con las que poder comparar, no pude decidir cómo de bien suena su nuevo micro. Si por el contrario ese mismo micrófono de gama alta se adquiere después de un escalón inmediatamente inferior, el pequeño productor podrá disfrutar y elogiar el pequeño avance resultante de la nueva compra. Esto se cumple para todo, y si pretendemos sacar partido al material que usemos, además de poder apreciar los pequeños cambios positivos que van asociados a la adquisición de mejor material, debemos usar la lógica y ser conscientes de que el mejor camino se encuentra en el hecho de ir poco a poco, comprendiendo cada pequeño paso y ascendiendo de nivel sólo cuando sea realmente necesario, y creamos que hemos "tocado techo" con el material que hasta ese momento de duda hayamos usado. Teniendo en cuenta esta regla básica que considero tan importante, pasemos a conocer los diferentes elementos que conforman la creación de un estudio, que desglosaremos a diferentes niveles con el fin de abarcar un mayor rango de usuarios, en base a sus aspiraciones y experiencia. SALAS Uno de los factores más importantes en el sonido de un estudio, es la sala. La acústica juega las peores pasadas sobre todo en salas de paredes paralelas, que son las que encontraremos en la mayoría de ocasiones debido a razones económicas de construcción (aprovechamiento del espacio). El problema está relacionado con el hecho de que las ondas rebotan y "chocan" contra sí mismas, provocando sumas y restas de presión que acaban convirtiendo la sala en un desastre auditivo, siendo más evidente el casos que se forma en frecuencias graves. Para evitar esto, existen los "golden ratios", que son una selección de proporciones óptimas (largo x ancho x alto) que se han convertido en el método más apropiado para solventar los problemas asociados a salas de paredes paralelas. Las frecuencias problema en este tipo de salas suelen llamarse "modos" y existen varios tipos, siendo los más importantes los modos axiales, ya que son los que más realces y declives producen en dB´s dependiendo de la posición del emisor y del oyente. Existen otro tipo de modos(tangenciales y oblicuos), pero decrecen en importancia respecto a los modos axiales, y merecen ser tratados en un artículo más especializado en acústica. Por lo tanto, a la hora de escoger una sala apropiada hemos de tener en cuenta lo antes expuesto, procurando elegir un recinto lo más apropiado posible (acústicamente hablando) para comenzar con nuestro estudio. Dependiendo del rango de frecuencias a controlar, se usan diferentes tipos de tratamiento. Por ejemplo, para mitigar problemas en frecuencias graves, se usa absorción (sobre todo en esquinas y en lugares estudiados mediante el uso de fórmulas matemáticas) como puede ser la utilización de trampas de graves. También se usan "resonadores de helmholtz" en algunas ocasiones en que la frecuencia problemática se encuentra localizada en un rango estrecho (un factor Q estrecho). Para el tratamiento de otro tipo de frecuencias también veremos técnicas de difusión, centradas en evitar que las ondas reboten sobre sí mismas en las paredes, y facilitando el que éstas se dispersen de manera irregular ayudando así a que el sonido mantenga el máximo equilibrio posible. Si no tenemos en cuenta todos estos posibles problemas acústicos, jamás escucharemos lo que está pasando realmente, ya sea en la etapa de grabación o en la de mezcla, con lo que en el procesamiento de pistas estaremos tratando errores que posee nuestra sala de grabación, o nos encontraremos ecualizando nuestra propia sala de control más que la pista que pretendemos manipular en principio. Como ejemplo, pongamos que tenemos un problema en nuestra sala de control, y desde nuestro punto de escucha se nos presenta un realce de 10 dB en 80 Hz. Por consiguiente, siempre escucharemos más graves de los que en realidad hay en la grabación, por lo que tenderemos a atenuar esa banda... obteniendo a cambio nefastos resultados que se plasman en grabaciones desequilibradas, delgadas, flojas... y ese no es el fin. Lo mismo ocurre en todo el rango de frecuencias del espectro, así como la imagen estéreo se ve seriamente afectada por este tipo de problemas. Resumiendo, la acústica toma una marcada importancia en el mundo de la grabación y producción de audio y no debería descuidarse lo más mínimo. Si el estudio está enfocado a un uso profesional, se hace necesario el disponer de varias salas. Una de control, donde se situará el técnico de grabación y mezclas, y una o varias de grabación. La construcción de varias salas permite disponer de varios diseños, posibilitando habilitar así por ejemplo, una para voces, una más grande para baterías...etc.

PRINCIPIOS DE LA ECUALIZACIÓN

INTRODUCCIÓN El espectro musical audible abarca unas 10 octavas en total si tenemos en cuenta el rango de frecuencias comprendido entre 20Hz y 20 Khz. Por lo general, las primeras y últimas octavas son las más críticas de monitorizar y a su vez las que pasan más desapercibidas al oído humano por estar situadas en los extremos de nuestra capacidad física auditiva. Este hecho queda reflejado en la curva de EQ más solicitada por nuestro oído a lo largo de los años, que no es otra que la típica con forma de "V" o de "sonrisa" que tantas veces hemos visto en equipos hi-fi, auto-radios, etc. ¿Y a qué se debe entonces el hecho de que esa curva suene más agradable al oído? Pues precisamente realzamos gradualmente aquellos extremos a los que el oído humano es menos sensible, tratando de equilibrar el sonido resultante para que nos suene más "plano" y agradable. Vemos que a medida que nos alejamos del rango medio, ya sea descendiendo o ascendiendo en el espectro, necesitamos ir elevando el nivel de cada frecuencia respecto a la anterior para que todo suene aparentemente equilibrado. Este fenómeno va asociado a la conocida teoría de Fletcher-Munson, basada en los contornos de igual sonoridad o "curvas isofónicas", que demuestra que el oído humano responde de diferente forma dependiendo de la intensidad sonora de la fuente. De este modo, a niveles bajos necesitamos de una curva más pronunciada en graves/agudos que disimule nuestras carencias de respuesta a intensidades moderadas, y a niveles altos el oído se acerca más a ese equilibrio que no requiere de ecualización compensatoria. Los filtros de refuerzo de los equipos hi-fi suelen ocuparse de subsanar esas deficiencias de escucha a niveles bajos, y esa función suele activarse mediante un selector que puede ir etiquetado de varias formas dependiendo de la filosofía de cada fabricante: Loudness, mega-bass, super-mega-power-bass-extension, etc. Es importante asimilar que el oído responde de diferente forma dependiendo de la intensidad a la que se reproduzca la fuente, ya que nuestras mezclas pueden quedar fuertemente condicionadas por el nivel de monitorización que hayamos usado al realizar el trabajo. Se hace recomendable entonces variar por momentos el volumen general de la mezcla para controlar que todo funcione a diferentes niveles de escucha. La percepción de bajas frecuencias cambia drásticamente en base al volumen al que reproduzcamos nuestra señal, por lo que mezclar a un volumen reducido constantemente puede traducirse en un resultado dañino debido a un exceso de graves.

PRO-TOOLS

El motivo por el que Pro-tools continúa cosechando éxitos como plataforma ideal de grabación digital es consecuencia directa de que, aunque parezca extraño, sigue mostrándose como la única opción disponible como DAW basado en hardware dedicado, factor determinante para muchos usuarios profesionales que huyen de la dependencia exclusiva de un ordenador, y que buscan sobre todo la máxima estabilidad posible, y un rendimiento óptimo en todo tipo de circuntancias, sin tener que depender de las posibilidades/limitaciones que tiene un ordenador para llevar a cabo este tipo de labores serias. En esos casos en el que se debe tratar de evitar cualquier tipo de freno tonto a nuestros proyectos, como puede ser un cuelgue inesperado del ordenador que usamos “para todo”, o ese maldito plugin que hoy no quiere cargar bien, etc… pro-tools se erige como la solución más convincente cuando se pretende esquivar problemas de este tipo. Creo que todos tenemos claro que basar un estudio de grabación en software nativo que corre sobre ordenadores diseñados en princio para “todo uso”, es un riesgo sólo pueden correr aquellas personas que no “vivan” de su máquina.

El programa se usa tanto en estudios de grabación de música, como en post-producción de video, aunque en este artículo centraremos la atención es sus facultades como grabador de audio.

INTRODUCCIÓN A LA COMPRESIÓN

MANIPULANDO EL RANGO DINÁMICO

El compresor se convierte en una herramienta indispensable cuando queremos mantener bajo control el rango dinámico de nuestra señal, además de desempeñar la labor de contener ciertos picos y subidas repentinas que deseamos que no "canten" demasiado al oído. El objetivo es reflejar la sensación psicoacústica que un instrumento transmite en vivo. Y por qué se pierde esa sensación de fuerza al capturar una señal (instrumento, voz, etc)??? Pues esto se debe a que la cadena de audio no “escucha" de la misma forma que nuestro sistema auditivo. A lo largo de los años, el dispositivo oído/cerebro humano ha ido evolucionando e incorporando ciertos gadgets a su funcionamiento, que lo han ido convirtiendo (la evolución no cesa) en un sistema auditivo cada vez más depurado y eficiente en el día a día. Sirva como ejemplo nuestra adaptación a separar la voz original de las reflexiones o ecos, cuando nos encontrábamos en la edad de las cavernas; o la compresión natural que el cerebro realiza cuando el oído es sometido a fuertes niveles de presión sonora. Pero para no entrar en demasiados detalles sobre el funcionamiento de nuestro sistema auditivo, pasemos directamente a lo que nos interesa en este caso. Aclarar en la medida de lo posible el por qué se hacen necesario los compresores en el terreno del audio musical.

¿Qué es el tempo (BPM) y cómo afecta la música?

Si hay un elemento que realmente afecta a la música y a quienes la oyen es el tempo.

Su influencia en la obra musical es excesiva agregando diferentes sensaciones o incluso pudiendo deformar la obra por completo.

Sin embargo su influencia va mas allá de la obra musical y aparece en el ambiente, en la actitud de quienes la oyen,  en su comportamiento y así como incluso en el ritmo básicos de la vida de los seres humanos. 
Si bien la influencia del tempo es notable en la música muchos músicos prefieren otros elementos musicales como la armonía mientras el tempo es producto casi del inconsciente.

El tempo musical debe ser valorado como unos de los primeros elementos a tener en cuenta a la hora de componer  música así como también a la hora de influir personas a través de la música.
En el siguiente articulo analizamos que es el tempo, el bpm, como usarlo para componer y su influencia en la música como en la percepción de la misma
1) ¿Qué es el Tempo?Imaginemos una simple partitura en 4/4. La partitura tendrá  4 tiempos de las cual la negra equivaldrá a un tiempo. Es decir, en cada compas de la partitura habrá 4 negras, o en términos sonoros habrá 4 golpes.

Pero surge la pregunta: ¿Cómo son esos golpes?¿Cuánto dura cada sonido? Vale pensar que no es lo mismo 4 golpes rápidos que 4 golpes lentos, lo cual lleva a la siguiente pregunta: ¿Cuánto dura una negra?

En un principio las partituras musicales no indicaciones sobre el tempo o eran muy escasas, por lo cual cada interprete la ejecutaba a gusto .Pero la idea del tempo empieza a cambiar a partir del siglo XVIII y XIX, posiblemente como consecuencia de que los compositores se cansaran de escuchar interpretaciones de sus obras con tiempos completamente arbitrarios. Entonces surgió una notación que expresaba la “velocidad” o forma que debían ser ejecutadas las obras.

Las 5 más usuales eran:
Largo: muy lento (20 bpm)
Adagio: lento y majestuoso (66 a 76 bpm)
Andante: al paso, tranquilo, un poco vivaz (76 a 108 bpm)
Allegro: animado y rápido. (110 a 168 bpm).
Presto: muy rápido (168 a 200 bpm).
Posteriormente, con el metrónomo y con el avance de la tecnología aparecen los BPM.

2) ¿Qué es el BPM?El BPM proviene de las siglas "Beat por Minute", que en castellano significa "golpes por minuto". Pero: ¿Qué es esto y para que sirve?

El BPM sirve para establecer la duración y/o velocidad de las figuras musicales con exactitud. Se define la duración del sonido y cuantas de estas figuras (negras) podemos encontrar en un minuto. Por ejemplo si se indica como tempo  , serán 60 golpes en 1 minuto por lo cual cada negra equivaldrá a un golpe por segundo.

En otras palabras el tempo, (o BPM) en principio determina la velocidad con la cual se reproduce una obra musical. Esto se debe a que este determina la duración de las notas, lo cual determina la división interna de un compas y su relación con las demás figuras musicales. Pues al saber cuánto dura el sonido de una negra podremos establecer la duración de las otras figuras como una blanca, o una corchea.

El tempo se calcula en BPM (beat per minute),  es decir golpes por minuto. 
El tempo altera considerablemente la obra tanto ala hora de componer como a la hora de ser escuchada o ejecutada. Es decir, podemos crear la música en un “tempo” y luego reproducirla en otro.

3) El tempo y los géneros musicalesCada estilo y género musical está asociado a un ritmo, por lo cual teóricamente cada género tiene su propio Tempo es decir “su propio” BPM. 

Esto no quiere decir que si haces una canción de tal o cual genero debas utilizar este BPM obligatoriamente. Por el contrario, lo que quiere decir que generalmente a la hora de componer canciones de un genero musical caeras en ese tiempo debido a la forma y naturaleza de su ritmo.

Recordemos que no existen reglas a la hora de componer, son solo guias, siempre existen excepciones y la lista siguiente es una generalidad.

Genero / BPMRnB : 75 BPM +/- 15
Rap:  90 BPM +/- 10
HipHop: 100 BPM +/- 20
Reggae: 100 BPM +/- 20
Cumbia : 90 BPM +/- 20
Reggaeton: 100 BPM +/- 20*
Pop/rock/ Dance:  120 BPM +/- 20
Trance: 140 BPM +/- 10
Heavy Metal / Punk  140+/-50

*En general ronda los 90bpm, dependiendo la tendencia del artista a un reggaetón mas “pop/dance “.

Observemos como los géneros mas bailados se encuentran alrededor de los 90-120BPM. Esto se da porque son los ritmos fáciles de seguir,  “son más bailables” y naturales. Por arriba y por debajo de esa rango se hace más difícil en especial arriba de los 120 la música se empieza a convertir en un ritmo muy enérgico y difícil de seguir.

Recordemos que el tempo tiene un efecto increíble en la atmosfera, y en la energía que nos transmite tanto a la hora de componer como de escucharla

4) Ritmo natural y tiempo de la músicaDebemos tener en cuenta dos conceptos: el tempo musical y el tempo natural.
Por un lado el tempo musical sabemos que se refiere al tiempo en que esta compuesta o se reproduce la obra musical.

Por otro lado, el tempo natural se refiere a los movimientos básicos de la persona. Por ejemplo a qué ritmo aplaudimos, caminamos, golpeamos.

Diferentes investigaciones han demostrado que el “tempo” tanto musical como natural va “evolucionado” con el tempo:

“En una investigación previa respecto a la preferencia del tiempo (Moelants, 2002b), se determino que había una preferencia del tempo entre 120 a 125bpm. Esta era significativamente más rápida que los 100bpm encontrados en el estudio de Fraisse (1982).

La preferencia alrededor de los 120bpm fue encontrada en la distribución del tempo encontrada tanto en diferentes ejemplos de música como en la repetición de movimientos a un ritmo natural (golpear, aplaudir, caminar). Este tiempo puede ser asociado con la velocidad natural del cuerpo a la repetición de los movimientos naturales del cuerpo. Lo que puede establecer que la distribución del tempo cambia a lo largo del tiempo.

El tiempo musical por encima del tiempo natural es generalmente preferido sobre el tiempo natural en músicas donde se busca la excitación, como por ejemplo la música dance, más que “escuchar música”Click aqui para leer el paper original

5) ¿Cómo afecta el tempo a la música?Si pensamos que en esencia el tempo determina la duración de los sonidos mas básicos como “un golpe” este determinara nuestra percepción “temporal de la música”

En otras palabras, La principalmente la función del tempo es establecer "el ambiente musical".

Es así que la música puede motivarnos, darnos energía, ganas de relajarnos, ponernos tristes, o darnos ganas de saltar porque el ritmo nos afecta, consciente e inconscientemente.  El más claro ejemplo es como la música nos afecta cuando bailamos así como cuando hacemos ejercicio o alguna otra actividad.

En decir, el tempo nos produce diferentes sensaciones dependiendo de diferentes factores y elementos que aparecen a la hora de componer como la armonía, la forma de la melodía, y el timbre de los instrumentos utilizados entre otros. Por ejemplo pensemos la diferencia entre una canción de Heavy metal y una canción alegre

Fast Tempo (tempo rapido) : felicidad, excitación, miedo, ira, rabia, tensión
Slow tempo (tempo lento) : tristeza, melancolía, sentimentalismo, relajación, pesadez, ensoñamiento
Cambios en el tiempo: generalmente producen miedo, tensión, sorpresa, excitación.

A continuación algunos ejemplos de la misma canción en diferentes tempos:

Fito Paez - Track Track / Os paralamas - Track Track
Eric clapton - Layla / Derek and the Dominos - Layla
Aztec Camera - Jump /  Van Halen - Jump

¿Mismo tempo diferente sensaciones?La pregunta es si existen diferentes canciones con un mismo tempo y si nos producen diferentes sensaciones. Pues obviamente que si, vale destacar el tempo se ve afectado por diferentes elementos aparecen en la obra musical como armonía, melodía, matiz, timbre, ritmo, entre otros. 

La suma de estos diferentes elementos nos produce diferentes sensaciones. Por lo cual una canción puede compartir el mismo BPM y puede ser tanto una balada romántica como una canción de doom metal. Si bien ambos tienen un tempo lento nos produce 2 sensaciones completamente diferentes.

6) ¿Cómo usar el BPM para componer?Podemos establecer que el tempo a usar es de acuerdo a lo que:
1) Pretendemos transmitir
2) El efecto que queremos generar en quien escucha la obra

Arreglar  el tempo de la obra que estamos componiendo en función de lo que queremos transmitir si queremos dar una poco mas de “alegría”, o “excitación” podemos incrementar el tempo y por el contrario disminuir el tempo produce relax, melancolía.
Surge la pregunta: ¿Cuál es el tempo correcto de una obra musical? No existe un tempo correcto, el tempo esta dado por la sensación que buscamos generar con la obra musical.

7) ¿Cómo calcular los BPM de una canción ya existente?No es difícil calcular el tempo de una canción simplemente debemos golpear al ritmo de la misma y contar la cantidad de pulsos que aparecen a lo largo de un minuto.
Una forma aproxima de obtenerlo es contarlos golpes que aparecen durante 15 segundos y multiplicarlo por 4 del cual obtendras una aproximación.

Si no quieres contar los golpes aquí una página en la cual debes golpear el teclado y te dira el BPM. También existen otros programas que simplemente calculan los beats de las canciones como el BPM Detector.

Otra forma de hacer música: El sample

Día a día invaden diferente géneros musicales, como el pop, el dance y el reggaetón pero nacieron por necesidad en la música rap.
En este artículo analizaremos otra forma de componer canciones mucho más moderna, práctica y actual pero sobre todo una forma diferente de pensar la música.


Si bien algunos refutan esta idea y dicen que no es componer música, otros afirman enfáticamente que si.
Pero mas alla de la discusión, el sample avanza sobre la industria musical,  la cultura actual y la forma de componer música.

Nacimiento
Con la llegada de la cultura del hip hop, llego una nueva forma de hacer música.  Ya no de la forma convencional  como sucedía hasta ese entonces: una persona con una guitarra, o un grupo de amigos como una banda de rock.
La historia es la de siempre, un grupo de amigos, uno es bueno para rapear y el resto hace la música. ¿Cómo hacer música sin tener conocimientos musicales?

En aquel entonces, el truco consistió en “pinchar” discos. Es decir, encontrar una canción la cual tuviera un pasaje lo suficientemente largo como para hacer una base y repetirlo manualmente, moviendo el disco en el tocadiscos; algo que requería mucha habilidad y práctica para que no se note el corte ni quedar fuera de tiempo.
Así surgió la idea del sample, primero como necesidad y luego se convirtió en una nueva forma de hacer música. Luego, algunas bandas como Public Enemy armaban sus canciones sampleando diferentes artistas en una misma canción como en el caso de su éxito Fight the power.

En la actualidad, el tocadiscos fue remplazado por la computadora y por equipos especiales que guardan cientos de samples. Tal idea fue creciendo de tal modo que hoy se convirtió en moneda corriente de la industria musical y en especial en la géneros musicales como el rap, el dance y el pop.
¿Qué es un sample?Un sample es una “muestra” de una canción. En otras palabras, puede ser un fragmento tal como una melodía, un riff,  una base de batería, un grito. Si bien algunas veces puede ser un par de segundos y en otras una sección entera, en general esta muestra  dura entre uno y dos compases. La idea del sample es utilizar esta muestra como “instrumento” o como elemento de una nueva canción.

Algunos ejemplos de samples:
MC Hammer - U Can't Touch This Original: Rick James - Super Freak Simply Red - Sunrise Original: Hall & Oates - I Can't Go for That (No Can Do)
2Pac California Love Original: Joe Cocker Woman to Woman
Daft Punk - Harder Better Faster  Original: Edwin Birdsong - Cola Bottle Baby
Rihanna - SOS Original Soft Cell -  Tainted love
Nuevo conceptoEl "arte" del sampleo trae una nueva idea a la música o mejor dicho un nuevo concepto a la hora de componer. Si pensáramos esta idea aplicada a otro arte, la analogía en pintura seria como tomar una imagen o varias imágenes para generar una imagen nueva o tomar fragmentos de escenas de película para crear nuestro propio film.
¿Un sample es un loop?Una de las primeras preguntas que surgen es si un sample es un loop. Un loop es un sonido que se repite que puede ser original o no.  El sample es prácticamente lo mismo, en el sentido que puede repetirse aunque no necesariamente tiene que repetirse. La gran diferencia es que el sample hace referencia a un trabajo original pues es una muestra o fragmento de una obra original. En otras palabras el sample es una fragmento o muestra que remite a una obra original o creación de otro artista.
Funciones de un samplePodemos encontrar distintos recursos que sirven para diferentes funciones:

- Una base: se corta un pedacito de una canción original que sirve para la base de una canción nueva. Ej.Crazy Town - Butterfly ,Original Red Hot Chili Peppers- Pretty Little Ditty (0:50), The Fugees - Killing me softly (0:36) Original: A Tribe Called Quest - Bonita Applebum (2:59), Jamiroquai - Virtual Insanity (0:05) Original: Claude Debussy - Pour Le Piano (3:40), Rihanna - Push Up On Me (0:03) Original: Lionel Richie - Running With The Night (0:26)
- Una melodía: Se toma una melodía como motivo principal de la nueva canción. Madonna - Hung Up Original: Abba - Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight).  Tambien se samplean riff caso Tone Loc - Ace Is In The House  Original: AC/DC - T.N.T, Fisz - Szef Kuchni Original AC/DC - Hell Bells 
- Una batería: Se toma un fragmento o compas de una canción para utilizar o repetir en la canción nueva a modo de base. El caso mas paradigmático es el del baterista de James Brown, Clyde Stubblefield, quien compuso el arreglo de “Funky Drummer”. Esta batería es la mas sampleada en la historia del hip hop y aparece en miles de canción. Se lo considera el ritmo y la esencia del hip hop. Algunos ejemplos: LL Cool J - Mama Said Knock You Out, Ice T  - Original Gangster, N.W.A's "Fuck Tha Police, Eric B & Rakim - Lyrics Of Fury, Dr Dre - Let Me Ride, Ultramagnetic Mcs - Give The Drummer Some, entre otros cientos de canciones.
 - Linea de Bajo: Otra idea consiste en tomar una línea de bajo de una canción a repetir en una canción nueva a modo de línea de bajo. Ejemplos: Vanilla ice – Ice ice Baby  Original: Queen - Under presseaure, y Sean Kingston - Beautiful Girls Original: Ben E King - Stand by me.
- Arreglo: Se toma un fragmento, puede ser una batería, guitarra, grito, sonido, o melodía para usar como arreglo en la canción nueva. Caso Michael Jackson - rhiana Black Eyed Peas - My Humps (0:17) - Original: Sexual Harrassment - I need a Freak (1:03), Rihanna - Don't Stop The Music (1:02) Original: Michael Jackson - Wanna Be Starting Something (5:09) T.I. - Live Your Life feat. Rihanna (0:54) Original: O-Zone - Dragostea Din Tei (0:54).
- Frases: Se toman frases de discursos, películas o canciones para usar como arreglo lirico, o para dar énfasis al sentido de la canción. Ejemplos: White Zombie - Welcome To Planet M.F, o White Zombie - Thunder Kiss '65.
- Intro/Outro: Otra idea es utilizar un sample como una introducción caso All You Need Is Love de los Beatles, fragmento de la La Marseillaise
- Recreación:  Vale destacar algunos sampleos en los cuales practicamente se toma una seccion (o incluso varias) de la obra original para recrear la canción.  En muchas de estas canciones se cambia la letra pero no la melodia, podria decirse que es similar a un cover al que se le agregan varias secciones más, y se reutiliza el material de la canción original. Esto sucede mucho en el genero del rap. Por supuesto aca el limite entre "copia", plagio, collage, reutilización y reversión es muy fino. Por supuesto, esto no podria hacerse sin la autorización del artista original. Algunos ejemplos:  Will Smith - Men in Black (0:46) Original: Patrice Rushen - Forget Me Nots (0:04), Puff Daddy/Faith Evans/112 - I'll Be Missing You, Original: The Police - Every Breath You Take,  Coolio - Gangsta's Paradise Original: Stevie Wonder - Pastime Paradise.
Otro ejemplo en la utilizacion de samples es la cancion Pitbull - I Know You Want Me que samplea varias partes de la canción 75 Brazil Street de Nicola Fasano Vs. Pat Rich. La idea en este punto consiste en utilizar las secciones de la canción para agregar nuevos versos rapeados.
¿Cómo hacer una canción con sample?Hacer una canción a partir de un sampler es relativamente sencillo. Consiste en buscar alguna base de alguna canción. Luego con un programa de audio recórtala de tal manera que nos permita generar un loop. En otras palabras un fragmento, en el que lo importante es que no se note el corte. Aquí radica tu habilidad con el manejo del soft de audio y tu oido.

La cuestión principal radica en cómo componer los versos y el estribillo. Se puede generar una melodía nueva simplemente cantando, rapeando o improvisándole encima de esta base con alguno de nuestros instrumentos. O también se puede generar de forma inversa, a partir de los versos /estribillo buscar alguna base que combine.

Para finalizar debemos arreglar la canción. Ahí deberemos agregar diferentes arreglos a partir de tus propios instrumentos como teclados, guitarras y bajos,  buscando diferentes arreglos/melodías/fills de otras canciones o utilizar alguna biblioteca de sonido como la del reason.

Esta forma de generar canciones está más cercana al collage. Debemos tener oído y mucha creatividad para componer. Es muy útil si tenemos escasos conocimientos musicales y  muchas ganas de hacer música, nos encontraremos limitados por nuestro conocimiento de software, de música y creatividad y no tanto por el conocimiento de la teoría o de un instrumento musical.
¿Qué programas puedo usar?Por experiencia todo indica que el programa es una elección personal de con cual te sientas más cómodo. El programa más usado comúnmente es el FL-Studio (también conocido como Fruity loops)y varios artistas conocidos lo han usado para componer, pero entre los principales programas que aparecen en el mercado para trabajar con samplers se encuentran Fl-studio, Native instrument Kontakt, Reason, Logic Pro y Ableton. También debemos mencionar el Sony Soundforge que es un programa de edición de audio.

¿Si creó un sample de una canción tiene derechos de autor?Todo depende de cómo, quien  y que utilicemos. Vale aclarar que, en un primer momento cuando no estaba legislada la cuestión del sample no había derecho de autor lo que dio explosión al género del rap. Cuando empezó a generar mucho dinero muchos artistas sampleados reclamaron sobre su obra y el vacío legal se legislo.  Por lo que si ahora si tomas la obra de otro artista, depende de la legislación de tu país. Por ejemplo una melodía, para generar tu obra deberás pagar derecho de autor al propietario de la misma, otros algunos países piden autorización y el pago de una suma estimado por el autor.

Sin embargo, muchos artistas utilizan samples de obras conocidas y las deforman (pich, sonido, tono, velocidad) logrando que estas sean irreconocibles. Retomando la analogía de una imagen con derechos para generar una imagen nueva, la idea consiste en deformar la imagen de tal manera que nadie puede reclamar.
Otros samplean artistas con mas pena que gloria. y otros  toman melodías o arreglos anónimos. Pero a veces esto trae a confusiones, por ejemplo, Stereo love, en los que el artista pensó que la melodía era anónima y luego al descubrir que pertenecía a un compositor decidió compartir los derechos de composición con el. La canción utiliza la melodía de la composición Bayatilar.

Por ultimo debemos mencionar otro recurso, que es utilizar librerías de samples, pagas o gratuitas sin derecho de autor.

ConclusiónEl uso del sampleo para componer música como alternativa es muy interesante, asi como primera opción si estamos metidos en géneros musicales muy modernos como rap, pop, o dance.
Si bien es más sencillo que componer y tocar nuestro instrumento, requiere mucho talento, y oído pero también mucha creatividad para componer los versos y estribillos y dar con elementos que funcionen con nuestra canción.

¿Rapear o cantar? Esa es la cuestión

Lo primero que uno piensa cuando escucha la palabra rap, es alguien hablando a la velocidad de luz y tirando rimas cuasi de manera extraordinaria. Pero el rap va más allá de hablar o rimar rápido, podría decirse que el rapear va más allá del género del rap.

Debemos entender que es un elemento, una forma de construir canciones que incluso probablemente estés usando actualmente para componer canciones y no te hayas dado cuenta.

En este artículo deberás olvídarte de todo lo que creías saber de rap para aprender a utilizar el rap como elemento para tus composiciones sea de rock, pop, salsa o el género que más te guste.
¿Qué es el rap? Cuando uno piensa en rap piensa en rimas, pero cuando uno canta también rima. ¿Entonces? Podríamos pensar que la diferencia entre cantar y rapear es que el segundo utiliza mas rimas. Entonces estaríamos en un grandísimo error y no comprenderíamos la diferencia entre ambos.

Al cantar uno sigue una línea melódica. Es decir, hay notas que suben y bajan, que pueden ser mantenidas incluso hasta el máximo de la respiración.

Sin embargo, con el rap es sucede algo completamente distinto, podria decirse que es más básico. No porque sea más fácil sino que es más primario, utiliza uno de los elementos principales de la música por lo cual vuelve a las raíces: El rap es ritmo.
Es decir,  el rapear es una cuestión rítmica, es percutivo, son golpes de sonido que siguen un patrón de cierta cantidad de silabas y acentos.
Cuando uno pone palabras en una canción que pretende cantar, agrega las palabras sobre las notas y su sonido. Cuando uno rapea pone las palabras sobre el ritmo, sobre los acentos.

Prueba este ejercicio, piensa una frase golpea la mesa en un sentido rítmico y cada vez que des una golpe di una silaba de la frase que se te ocurrió, y veras que estas rapeando. Por supuesto todo en bien rítmico.

¿Cómo se si mi canción es un rap o una melodía?
Una forma sencilla de diferenciar entre rapear o cantar es la siguiente. Cuando estes componiendo y las notas siguen una línea melódica estas cantando. ¿Cuándo siguen una línea melódica? Cuando hay más de 3-4 notas que suben y bajan creando una melodía.

Tomemos ejemplo el estribillo de la canción We Didnt Start The Fire de Billy Joel.

Como vemos hay varias notas que suben y bajan  para crear una frase musical o melodía.

Cuando las notas en vez de crear una melodía siguen un patrón rítmico estas rapeando. En general, es fácil de identificar porque hay un martilleo de la misma nota sobre un ritmo. A veces suele haber 2 o 3 notas las cuales sirven para generar una variación de tono y/o acentuación.

Ahora analicemos los versos de la misma canción "We Didnt Start The Fire":

Solo aparecen 2 notas, referencia a 2 sonidos distintos y un patron ritmico.

Como vemos en los versos de la canción de Billy Joel, hay una clara carencia de melodía. Solo son 2 notas pero las utiliza para crear un patrón rítmico sobre el cual dispara frases. Al remplazar este ritmo monótono con palabras y sentido la canción toma una forma increíble.

¿Canciones que no son rap?
Debemos tener en cuenta que el uso del rapeo no es algo exclusivo del rap, o sus variantes como el reggaeaton, es una forma de composición innata que invadió diferentes géneros musicales: metal, rock, pop, electrónico, y salsa entre otros.
Algunas veces es muy simple y otra veces es muy complejo, algunas veces se rapea más lento y otras mas rápido, algunas veces este recurso aparece muy sutilmente en la canciones y otras veces es fácil de identificar que se esta rapeando.

Como explicábamos al inicio, el uso del rapeo existe mucho antes del rap como genero y uno lo puede encontrar en multitud de canciones que no son de rap.

 En conclusión
La idea aquí no es convertirse en rapero, sino tener en cuenta que podemos utilizar el rap para nuestras canciones aun sin saber rapear y/o sin ser raperos o sin "pecar" de hacer rap, porque es un muy buen recurso para utilizar, además que muchos ya lo estaran usando sin saber que realmente estan creando versos de estilo rap.

Debemos comprender que el rap es una vuelta a lo más básico: el ritmo. El rapear no es un estilo compositivo  “melodioso” sino percutivo. Las palabras no siguen una melodía sino un ritmo, en el que las palabras resuenan percutivamente en los acentos del ritmo creando un patrón rítmico.

Por supuesto rapear bien, tal como cantar, tiene sus mañas: requiere talento tanto como para encontrar las rimas como para saber hacerlo, buena pronunciación, facilidad para las palabras y en especial un buen ritmo.